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Découvrez le classement des modèles de robes de la Collection Shankara. Dans le Top 5 de cette saison estivale, c'est La Robe Courte Saharienne qui obtient la médaille d'or et la 1ère place sur le poduim de Shankara !!!! Suivie de près par le modèle Princesse , dans toutes les catégories d'imprimés et coloris confondues :-)) Vient ensuite, la Robe Longue Petites Manches Un triplé historique ! Encore une journée riche en émotion ! Mesdames, le compte à rebours a commencé. il ne vous reste plus que quelques jours pour profiter de l'offre anniversaire avant la soirée de clôture et vous faire plaisir ! Shankara , partenaire de toutes les femmes Une marque française déposée Une Collection de robes en série limitée Une sélection sur mesure conçue rien que pour vous ! Mode femme éco-responsable Mode éthique et durable #MédailleDOr #MédailleDArgent #MédailleDeBronze #Paris2024 #festivitésFrance2024 #Palmarès #DélégationTricolore #RecordBattu #RobeCotonImprimé #SiteMarchand #BoutiqueEnLigne #CagnesSurMer #FrenchLifeStyle  #FrenchRivièra

Robes coton imprimé ROBE COURTE SAHARIENNE                       S          M            L          XL          XXL        XXXL        34/36      38/40       42/44       46/48       50/52     54/56 Emmanchure          44           47         49         52        54        57 Tour de poitrine         91          96            101        106         111       116 Tour de  taille        76         81         86         91         96       101          Tour de hanches        97        102       107        112       117       122 Longueur manche         42         43           43          44         44         44 Longueur  totale         99       100          101        102         103         104   ROBE LONGUE MANCHES COURTES                 S            M             L            XL           34/36        38/40        42/44        46/48 Tour de poitrine             89            94            99          104 Tour de taille            85            90            95           100 Tour de hanches            99           104         109           114 Longueur épaule            53           56          58            61 Longueur manche             17           18          19            20 Longueur totale            137          138          139         140    ROBE LONGUE EMPIRE                            S               M              L           XL             34/36         36/38         38/40        40/42 Emmanchure              46             48            51            53 Tour de poitrine             88             93            98           103 Tour de taille            79             84            89            94 Longueur épaule              6              6              7             7 Longueur totale           136           137            138          139     ROBE LONGUE PRINCESSE                         S            M             L        XL          34/36         36/38         38/40     40/42 Tour de poitrine            99            104            109         114 Tour de taille            98           103            108         113 Tour de hanches          146           151           156         161 Emmanchure            50            50             55          57 Longueur totale           136          137            138         139  ROBE LONGUE CHEMISE                     S          M          L          XL        XXL        XXXL        34/36      38/40       42/44       46/48      50/52       54/56 Emmanchure          18         19          20          21         22         23 Tour de poitrine        37         39          41          43         45         47 Tour de  taille        31         33          35          37         39         41 Tour de hanches        43         45          47         49         51         53   Longueur épaule        15         15          16         16        17         17 Longueur manche        23         23          23         24         24         24 Longueur totale       54         54          54         55         55         56       ROBE LONGUE PLISSEE                     S          M          L          XL         XXL         XXXL        34/36      38/40       42/44      46/48       50/52        54/56 Tour de  poitrine       99       104         109         114        119         124 Tour de  taille      102      107        112         117        122         127     Tour de hanches       86        91         96         101        106         111 Longueur épaule       40        41         42          43         44          45 Emmanchure         23        24         26          27         28          29 Longueur manche        60        60         61          62         63          64 Longueur  totale       136       137      138         139       140         141

Jour J Chacun se prépare à sa manière pour le Grand soir Shankara se met aux couleurs des JO En vous proposant une Collection polychrome symbole d'universalité imaginée pour fêter l'évènement ! Des robes spéciales pour une soirée spectaculaire, unique et grandiose Bleues, jaunes, noires, vertes et rouges en série limitée. L'élégance à la française pour assister à la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques, Paris 2024 en direct des Quais de Seine, sous les regards du monde entier ! Shankara , un style intemporel, décontracté, chic et facile à porter. Prêtes pour vivre cette soirée inoubliable ? Sinon Rdv avant 19h30 sur www.shankara-store.com et trouver votre tenue ! #RobeBleu #RobeJaune #RobeNoire #RobeVerte #RobeRouge #RobeBlanche #EvenementPlanetaire #MouvementMondial #Paris2024 #EquipeDeFrance #CérémonieOuvertureJO #FestivitésFrance2024 #FlammeOlympique #DrapeauOlympique #AnneauxOlympiques #PierreDeCoubertin #Unité #Fraternité #Fair_Play #Perfection #Résilience #Perséverance #Espoir #Passion #Europe #Asie #Afrique #Océanie #Amérique #CinqcontinentsUnis #BoutiqueEnLigne #CollectionFemme #TenueSpéciale #Robes #CagnesSurMer #NouveauChallenge

La France, des kilomètres de côtes, Un littoral d'exception d'une grande diversité de paysages. Mais une seule marque de paréos en coton imprimé aux multiples coloris ! Shankara, partenaire officiel de vos vacances réussies !! Lequel vous fait le plus rêver ? ⚠ Note de dernière minute Avant le départ, surtout, ne pas oublier de mettre le paréo assorti à la robe dans la valise ! #CôteDesDunesDeFlandres #CôtedOpale #CôtePicarde #CôtedAlbatre #CôtedeNacre #CôtedEmeraude #CôteDeGranitRose #CôteDesLegendes #CôtedIroise #CôteDeCornouaille #CôtedAmour #CôteDeJade #CôteDeLumiere #CôteDesFleurs #CôteSauvage #CôtedeBeauté #CôtedArgent #CôteBasque #CôteVermeille #CôtedAmethyste #CôteCamarguaise #CôteBleue #CôteDesMaures #CôteDeLEsterel #CôtedAzur #CôteDeLaRiviera #LieuxdException #VacancesCamping #StationsBalneaires #PlageParadisiaque #DestinationVoyage #LieuxTouristiques #Vacances #été #CollectionBeachWear #Paréocoton

Shankara peut désormais voyager à l'international ! Ce 17 Juillet 2024, la marque aura la majorité universelle !!! Et pour fêter l'occasion, je vous offre 21% de réduction sur toute la catégorie Vêtements femme et Accessoires pendant 21 jours ! Profitez-en pour découvrir tout l'univers de Shankara-store Que vous puissiez y trouver votre bonheur Offre valable uniquement sur le site #21bougies #momentdexception #perseverance #longevite #modeecoresponsable #modefemmedurable #boutiquedecreatrice #boutiqueenligne #quotidienauthentique #promotion #soldesété #reductionanniversaire #2024 #pretaporterfemme #Cagnessurmer

Symbole des révolutionnaires mais aussi emblème de l’émancipation féminine ! Les hommes ne sont plus les seuls à porter la culotte ! Si le pantalon se porte tous les jours, dans tous les moments de notre vie, ce n’est que vers les années 1830 que le pantalon au surnom de « Tuyau de poêle » à cause de sa coupe commence à faire partie de notre garde-robe courante. Au départ, il était le signe d’identité et d’autorité masculine et longtemps considéré pour les femmes comme une pièce de lingerie sous les nombreux jupons des robes. A l'époque du Directoire (1795-1799) les Merveilleuses portaient sous leurs robes extrêmement fines à la mode " grecque" des pantalons semi culottes très collants invisibles qui donneront naissance aux premiers sous-vêtements féminins. Mais saviez vous que jusqu’au 31 janvier 2013, les femmes étaient des hors la loi pour port illégal de pantalon ? D’origine persane et déjà porté dans les pays orientaux par tous, en Europe occidentale le pantalon était interdit par l’Eglise catholique pour les femmes car considéré comme tenue indécente. Symbole de l’ordre bourgeois, il était un vêtement dit "masculin", limitant les femmes à l’accès à certaines fonctions ou métiers qui voulaient ainsi se parer de l’image de l’homme. Une ordonnance interdisant le travestissement des femmes fut signé par le préfet de Police Dubois en novembre 1800. Toute femme, désirant s'habiller en homme, devait se présenter à la Préfecture de Police pour en obtenir l'autorisation et une permission avec raison particulière professionnelle ou sur certificat médical, sous risque d’avoir une amende ou d’être arrêtée !! Le pantalon féminin n’était alors autorisé en 1905 que si vous teniez dans votre mains un guidon de bicyclette ou les rênes d’un cheval ! 😊 Ce qui n ‘a heureusement pas empêché les femmes de porter des pantalons librement dans la rue depuis les années soixante. Je vous rassure, cette loi a été abrogée le 31 janvier 2013 (seulement), sous la demande de Monsieur Alain Houpert, sénateur de la Côte-d’Or par le ministère des Droits des femmes car incompatible avec les principes d’égalité entre hommes et femmes, inscrits dans la Constitution. L’habit masculin comme revendication C’est au XVIe siècle seulement que le pantalon fît réellement son apparition en Europe. Au Moyen-Age, les hommes portaient des chausses, sortes de jambières jointes dans le dos. L’évolution de la mode amena ensuite les couturières à inventer la braguette, donnant naissance aux pantalons que nous connaissons aujourd’hui. À la Révolution, le pantalon devint un symbole politique, signe des temps nouveaux. En 1788, les travailleurs en pantalon se baptisèrent les « sans-culottes » par opposition à la noblesse qui, par soucis de mode, portait des culottes. Puis les femmes revendiquèrent l’habit masculin pour son confort et sa praticité. Les premières féministes revendiquèrent haut et fort le port du pantalon , beaucoup plus confortable que ces robes corsetées aux multiples jupons particulièrement encombrantes. Elles entravaient les mouvements, privaient alors le corps féminin de sa mobilité et soulignaient sa faiblesse avec le désavantage de rendre la femme plus accessible contrairement au pantalon fermé (d’après Jeanne d’Arc ) . Il permettait à Georges Sand , femme de lettre (1804-1876) de s’approcher du monde des hommes, de rentrer dans les salons, les spectacles et ainsi d’afficher sa liberté. Rosa Bonheur (1822-1899) peintre française, le portait pour « travailler » puisqu’il était le vêtement idéal, adapté aux travailleurs ! A Boston, Amélia Bloomer militante, revendiqua en 1830, elle aussi la liberté de mouvement en portant une jupe courte sur une culotte large et bouffante qui donnera son nom au pantalon ample, le bloomer. En France, Madeleine Pelletier , la première femme médecin, ne craignant pas de s’habiller en homme sans autorisation, revendiquait déjà ce droit auprès des députés en juillet 1887. Mais le pantalon ne deviendra universel qu’à partir des années 1960. Cependant, beaucoup de femmes adoptèrent l’habillement marin après la réforme du costume en 1889. A partir des années 1920, les habitudes changèrent, la mode aussi. C’est la pratique du sport qui contribua à l’évolution du costume féminin ; l’équitation, le cyclisme, la bicyclette. On porte le pantalon de « plaisance » pour aller à la plage, plus fonctionnel, plus confortable. A la maison aussi, en tenue d’intérieur. Mis sous les projecteurs par Hollywood, porté par Greta Garbo , Marlène Dietrich , Katharine Hepburn , en 1950 le smoking donnant un style androgyne nouveau prit son envol ! Mais quel choc pour l’Amérique puritaine à l’époque ! Et plus tard, Brigitte Bardot dans son corsaire à carreaux vichy ! Le pantalon devint le symbole de la femme active. Simone de Beauvoir , philosophe, parlait d’acte engagé de la part du 2e sexe. Porter le pantalon devint un enjeu politique pour défendre l’égalité des sexes. Pendant la 2 guerre mondiale, les femmes accomplissaient les tâches des hommes et ont commencé à porter leurs pantalons. C’est après la guerre, qu’il deviendra tenue de détente et de loisir. Il faut aussi remercier Mademoiselle Coco Chanel pour avoir anticipé le mouvement d’émancipation de la femme. Elle voulait la libération de la femme, la rendre indépendante et élégante. Elle libéra le corps de la femme en intégrant le pantalon dans le vestiaire féminin. Monsieur André Courrèges en 1961 ou Monsieur Yves Saint Laurent en 1966 ont également marqué leur époque en réinventant le smoking, style androgyne nouveau à porter en soirée pour les femmes qui deviendra la pièce mythique de sa collection. Dans les années 70, le pantalon a commencé à faire l’unanimité, « patte d’eph » pour les hippies, moulant et pailleté pour le disco. Et en 2000, il est devenu unisexe !! Short, bermuda, corsaire, pantacourt, legging ou pantalon jusqu’aux chevilles, taille haute, puis taille basse, évasé, ajusté, skinny, slim, flare, regular, oversize, à pince ou à plis… Il y en a pour tous les goûts et toutes les morphologies ! Vous être maintenant libre de choisir ! Robe ou pantalon ?

Portée jusqu’à la Renaissance par les 2 sexes, la robe est actuellement un vêtement typiquement féminin que certaines maisons de couture essayent depuis peu de réintégrer au vestiaire masculin. Mais aujourd’hui pour les femmes, plus question d’envelopper seulement leur corps, ni même de masquer leur anatomie. Bien au contraire, une robe bien taillée, parfaitement ajustée mettra toute votre silhouette en valeur ! Plus question non plus d’entraver vos mouvements dans des tissus démesurés ! On abandonne cerceau, crinoline, symbole du romantisme de l’époque de 1840 pour offrir aux femmes une plus grande liberté de mouvements. Mais on s’inspire des détails. On garde les broderies, les rubans, volants et passementerie ! La femme d’aujourd’hui est moderne, active et raffinée !! Et pour la longueur d’une robe pour femme ? Ce n’est qu’une question d’époques ou de cultures ! Avant l’arrivée en 1926 de l’iconique « Petite robe noire, The Little Black Dress » courte et légère, aux douces lignes simplifiées de Gabrielle Chanel, on entrevoyait à peine les chevilles, alors qu’en 1960, « on osait montrer ses affreux genoux ! ». La robe a évolué avec son temps selon le contexte social et culturel de chaque époque. Puis ce fut la Révolution française. Pour la femme également ! Plus de carcans ! Les mœurs ont évolué, la femme s’est émancipée et sa robe aussi. La femme n’est plus cette beauté immobile contrainte à être seulement belle et à faire « tapisserie » dans les salons. Sa robe n’était en aucune façon fonctionnelle mais devait rivaliser d’élégance et d’exubérance dans les volumes et les tissus précieux. Elle devait affiner la taille, souligner les hanches et maintenir la poitrine généreuse. La femme n’est plus enfermée dans sa robe volante, battante, ligotée, serrée dans son corsage, prisonnière de sa robe à panier au corset cintré à baleine ou du corselet en fer sous ses multiples jupons superposés d’où émergeait à peine la pointe du pied et qui l’empêchait même de respirer ! Les jambes se libèrent, signe d’émancipation de son statut traditionnel de femme. Les robes se font fluides et suivent les mouvements du corps. Plus de tournure ni de Faux-cul, ni de traîne en queue d’écrevisse ! La robe Merveilleuse des Elégantes a pris un petit goût de liberté. On ose même de nouveaux tissus. Et grâce à Madeleine Vionnet la robe travaillée de biais se fait moins rigide et plus originale. Les tenues s’adaptent au rythme de vie. Finie la sublime cage des années 50 ! Gabrielle Chanel pour s’insurger contre cette mode créée son fameux tailleux veste-jupe crayon s’arrêtant aux genoux en jersey dés 1913, puis en 1954 en tweed gansé pour la femme moderne et élégante, l’habillant sans corset et imposant ainsi de nouvelle silhouette. Décalée pour l’époque, car après la guerre en 1947, le style change avec le style révolutionnaire New-Look et ses robes sablier cintrées. Les jupes sont amples, arrivent sous les genoux, la taille marquée à l’excès et hanches larges. Les femmes sont moulées dans leur robe à bustier le soir, au volume « bar » qui met en valeur leurs formes galbées. Christian Dior adoucit les épaules de Corolle, sa femme fleur. Droites ou trapèzes, les robes de Givenchy, d’André Courrèges ou d’Yves Saint Laurent se font de plus en plus simples, mais accentuent la féminité. On épure et amplifie les silhouettes, donnant aux femmes une allure correspondante aux canons de la beauté de l’époque. Mais il a fallu attendre 1954 pour que le pantalon démocratisé par Yves Saint-Laurent fasse partie intégrante de notre panoplie de femme et 1962 que Mary Quant revienne de Londres avec sa mini-jupe pour qu’on puisse nous aussi la porter. Le vêtement à l’origine fonctionnel est très vite devenu objet de parure et a contribué à amplifier la beauté de celui qui le portait. Aujourd’hui, le vêtement révèle le corps, le met en valeur. On souligne sa silhouette, on dévoile ses formes, ses épaules, ses genoux et ses chevilles. Actuellement, les robes sont plus fluides et suivent les mouvements du corps. Le vêtement est toujours lié à la fonction et le rôle social de la personne qui le porte mais la frontière est moins visible. La fonction principale d’une robe est toujours un moyen de mettre en valeur la beauté féminine. Et tellement de sortes de formes de robes pour femme, de matières et de styles différents existent de nos jours, que le choix en est cornélien !! La robe parfaite peut se porter pour toutes les occasions et permet l’ajout d’accessoires pour varier les plaisirs ! La robe parfaite s’adapte à toutes les morphologies. Elle se doit d’être seyante et jolie et surtout vous plaire. Elle doit être agréable à porter et vous devez vous y sentir à l’aise ! Cacher son corps ou le dévoiler … A vous de voir ! Vous avez le choix ! Découvrez La Collection Shankara de Robes Courtes et Robes Longues pour femme disponible sur le site. A vous de trouver l'imprimé qui mettra votre teint en valeur et réhaussera votre éclat ! Chez Shankara, on fait rimer l'aisance et l'élégance. Car, « rien n’est plus beau qu’une femme habillée d’une robe adaptée au rythme de sa marche ! » François Truffaut - L’homme qui aimait les femmes, 1977

Je l'ai d'abord rêvée, cette collection de robes pour femme ! Puis, je l'ai imaginée, visualisée. Ensuite, je l'ai ressentie. Et je suis passée à l'action !! Voici tout le processus de création de cette Nouvelle Collection. Merci à toute mon équipe dans l'atelier sans qui tous ces jolis modèles n'auraient pas vu le jour. Je n'ai pas dit que tout c'était fait en un jour !!!! Mais aujourd'hui, je suis heureuse de vous présenter la Nouvelle Collection Shankara de robes pour femme en coton imprimé. Restant fidèle à l'esprit de Shankara, des imprimés audacieux colorés, des couples simples, amples toujours dans l'air du temps mais durables dans le temps. En voile de coton, léger pour s'adapter aux changements climatiques ! Facile à porter ! Toujours dans la tendance ! J'espère que tous ces modèles de robes pour femmes vous plairont : La Robe Longue Chemise ou bien la Robe Longue Plissée, manches longues, boutonnées de haut en bas pour plus de confort et des poches pour plus de praticité ! La Robe Longue Petites Manches, décolletée en V des deux côtés; La Robe Longue Princesse, une robe bustier, smocks à la taille et bretelles fines ajustables; La Robe Longue Empire, taille haute, décolleté et ceinturée, sans manche; La Robe midi Col Mao qui telle une kurta peut se porter sur un pantalon; Ou bien la Robe Courte Saharienne, un modèle de petite robe chemise, ceinturée à la taille, petites manches et poches plaquées sur le devant. Tous ces modèles de robes se déclinent dans différents imprimés et coloris. Certains que vous retrouverez dans la Collection de tuniques et chemisiers pour femme Et pour les sorties entre mère et fille, nous avons réalisés une petite Collection de robes pour vos filles de 2 à 10 ans dans le même tissu en coton imprimé emblématique de Shankara ! Lors des défilés de la Fashion Week de Paris, on a déjà pu repérer les tendances à venir pour le printemps été. Et cet été sera un concentré de vitamines ! Du vert sapin au vert menthe ou kaki en passant par le bleu layette et toute sa gamme chromatique, du pêche, du rose pâle, du nude au rouge vif, rouge cerise ou rouge passion pour dynamiser les silhouettes. Ca va pétiller ! L'imprimé fleuri est encore omniprésent dans toutes les maisons de couture. De la plus petite Liberty à la plus démesurée, la fleur peut être imprimée, cousue, brodée ou être en relief. Flower Power ! Et pourvu que le tissu soit fluide et léger et qu'il n'entrave pas les mouvements. Il va surement faire chaud cet été. Alors laissons notre corps respiré ! Surtout que cette année nous avons de la chance, les occasions de s'habiller ne vont pas manquer. Les festivités vont être nombreuses, les célébrations, cérémonies et hommages aussi ! Entre le Festival de Cannes et sa "Montée des marches", l'arrivée du Belem à Marseille avec, à son bord la flamme Olympique, son passage dans toute le France ( ou celui de Taylor Swift : - )), les soirées liées aux "Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024", "les Olympiades culturelles" ou "Les Rendez-vous aux jardins" ou à "Notre-Dame"...la Fête de la musique et autres festivales ... Sans oublier nos petits événements personnels qui ont autant d'importance à nos yeux, et la vie quotidienne en général. Cette année nous aura réservée tant de surprise ! Place au soleil maintenant !! L'été approche A découvrir sur le site en suivant le lien ici

Boite à bijoux, boite à objet qui deviennent à leur tour de véritables bijoux !! L'Inde, a longtemps été une ancienne plaque tournante mondiale de pierres précieuses. Dans le Rajasthan, dans les alentours de Jaipur, « la ville rose » on trouve d’innombrables variétés de pierres gemmes fines naturelles. La ville était réputée, pour sa joaillerie et pour être le centre des meilleurs tailleurs de pierre. Agate, Améthyste, Aventurine, Calcédonie, Citrine, Cornaline, Grenat, Jade, Jaspe, Lapis-lazuli, Œil de tigre, Malachite, Onyx, Péridot, Tourmaline, Turquoise, Quartz … Les pierres gemmes précieuses et semi-précieuses, sont recherchées, convoitées, vendues, utilisées comme une expression de l’identité, dans la création de bijoux, pour embellir des objets de décoration ou d’ornement et dans la réalisation de chefs d’œuvres picturaux. Incarnation de valeur et de rareté, les pierres précieuses étaient symbole de royauté, de pouvoir et de richesse mais également portées pour leurs pouvoirs bénéfiques, porteuses d’énergie positive, de chance et de protection. Maharanis, reines et concubines portaient des parures de bijoux ornées des plus beaux saphirs, rubis, émeraudes, imitées par toute la cour. Des bijoux d’ornement pour la tête, le front, des boucles d’oreilles, de nez, des bracelets aux poignets et aux chevilles, des colliers et raz de cou… Les Maharajas n’étaient pas en reste ! Ils avaient eux aussi un engouement prononcé pour les bijoux et les beaux objets. Ils possédaient de magnifiques sabres et épées, tous décorés, embellis d'incrustation de pierres des plus précieuses. Et certains pouvaient avoir sur leur Turban un diamant de la taille d’un œuf ! Tous deux portaient des vêtements resplendissants cousus au fil d’or. Comme rien ne se perd, une autre forme d’art décoratif en a découlé. Un art pictural coloré et particulièrement minutieux. L’art d’utiliser des pierres précieuses, des pierres fines naturelles pour créer de magnifiques peintures sophistiquées et scintillantes. Dans cet artisanat, les éclats et rejets produits de la taille des pierres sont utilisés pour devenir pigments colorés comme une palette de couleur traditionnelle. Les pierres sont triées par couleur, puis broyées à la meule pour devenir une poudre fine soyeuse et colorée. Chaque nuance est apportée par une pierre particulière selon sa couleur, sa taille de coupe car chaque pierre a une composition, une signature unique non homogène comme pour les pierres synthétiques et artificielles. Ici pas question de mélanger les couleurs pour obtenir la teinte désirée pour la composition de l’œuvre comme dans la peinture traditionnelle faite avec des pigments végétaux ou chimiques. A chaque pierre, sa teinte individualisée, son empreinte unique ! L’ocre rouge est obtenu à partir de l’hématite, le vermillon du cinabre. Le bleu provient de l’azurite, de la sodalite. Le lapis-lazuli est utilisé pour le bleu outre-mer et créer un ciel pittoresque rempli d’étoiles scintillantes. La cornaline donne l’orange, la citrine le jaune, l’améthyste le violet et le quartz le pigment rose. Pour les dégradés de vert, l’aventurine, le jade, la malachite sont utilisés. L’ivoire et l’os chauffés donnent le pigment noir. Et l’or sert à rehausser l’ornement des vêtements et parures de bijoux des personnages. Cette peinture évocatrice des peintures pointillistes a sûrement inspiré le grand Andy Warhol lorsqu’il a réalisé la fameuse sérigraphie de Marilyn embellie à la poussière de diamant. C’est un travail qui nécessite de la patience et beaucoup de minutie. Tout commence sur une plaque de verre ordinaire. Au dos de la plaque, un dessin au trait est esquissé au préalable puis de fines couches de poudre obtenue à partir des pierres sont juxtaposées une à une juste en bonne quantité pour former le chef d’œuvre aux motifs colorés. Une fois mises en place, elles sont collées pour être fixées avec un liant à l’origine naturel à base d’un mélange de jaune d’œuf, d’huile de lin, de gomme arabique et autres résines. Après séchage, les différents niveaux subtils de textures granuleuses et de couleurs obtenues confèrent un aspect naturel à la peinture. Les pierres naturellement captent et renvoient la lumière, leurs couleurs ne s’altérant pas, cette peinture scintillante gardera son éclat intemporel. Les sources d’inspirations ne manquent pas ! Jeunes femmes, princesses de la cour dans des scènes de vie quotidienne, Ragas et Raginis jouant d’un instrument, accompagnées d’animaux, faisant partie de la guirlande de ragas, le « Ragamala » illustrant les différents modes musicaux, dieux et déesses du « Ramayana » et « Mahabaratha » sur fond de paysage et nature environnante luxuriante, ou la fameuse et célèbre « Mona Lisa indienne » nommée « Bani Thani », inspirée des miniatures peintes de l’école Marwar de Kishangarh, adorée du Raja Vasant. Un travail remarquable qui mérite bien notre attention ! Pour découvrir cette forme d’art unique en son genre, réalisée sur de jolies boites en bois, suivez le lien en cliquant ici

Les « Kauri Trinket box » Des boites à objet, des boites à bijoux en perles de verre, de turquoise, de corail ou de grenat et coquillages cauris cousus main. Ces boites de différentes tailles et couleurs, pouvant contenir plein d'accessoires seront également très décoratives, posées sur votre étagère et donner à votre salon un air de musée. Elles ajouteront de la personnalité à votre vestibule posées sur la petite table dans l’entrée de votre maison ! Elles apporteront du style et une nouvelle dimension à votre intérieur car les coquillages cauris pour les tibétains sont des porte-bonheurs aux multiples effets bénéfiques, liés aux esprits marins. Le nom sanskrit de ce coquillage est « karparda », « kapardika », « Kaudi », le nom indi. « Kauri » nom dérivé de la langue tamoul, deviendra « cowrie » avec les anglais et cauris en français. Les cauris sont les coquilles de petits gastéropodes marins de 2 cm de long du genre des Cypraea, de forme oblongue avec renflement au milieu, se rétrécissant aux extrémités pointues, variant du blanc au jaune foncé, d'aspect brillant et doux. Ressemblant à de la porcelaine blanche, ils ont longtemps circulé partout, entre l’Asie et l’Afrique, servis comme monnaie d'échange dans les transactions quotidiennes. L'espèce qui se trouve côté des Maldives et du Sri Lanka dans l'océan Indien se nomme « Monetaria moneta », celle entre Madagascar et le Mozambique, « Montaria annulus ». Il existe des cauris de différentes tailles et couleurs. Parmi les plus connus sont le cauris jaune, servant au culte de la déesse Lakshmi, le Cauri tigre, le Ring Top « cowrie », avec son anneau et le cauris blanc. Leur possession constituait un signe de prospérité, de richesse, de puissance et de pouvoir divin. En dehors de leur valeur d'échange, ils avaient surtout une puissante signification symbolique et spirituelle dans de nombreuses cultures. Symbole de vie éternelle, considérés pour être une porte par laquelle on accède aux mondes des ancètres, ils servaient dans l'art divinatoire.et dans certains rituels sacrés, comme le rite de passage de l'au-delà ou des cérémonies particulières adressées aux dieux et dans les poojas. Ce petit coquillage en forme d'œuf, avec son dos semblable à un dôme arrondi, ce renflement en son milieu et son ouverture dentelée est associé au féminin. Avec son image de vulve, il devient un symbole de fécondité et de fertilité utilisé dans certains rituels tantriques. Ils étaient également utilisés comme charme de guérison et en potion médicinale pour leurs vertus curatives. Ou pour d'autres, comme pions, dés à jeter dans un jeu de lancer ou jeux de hasard. L'usage de kauris est encore très présent dans l'artisanat local, utilisés pour orner les objets décoratifs. Réputés pour être des porte-bonheurs, ils sont cousus au Gujarat, en Inde dans les ourlets des robes de mariées et le devant des tuniques pour encourager l'amour et la fertilité. Sacré, ce cauri de couleur blanche du nom d'Avbhimantrit White Kauri est porté comme un talisman, une amulette, monté en bijoux, bagues bracelets, boucles d'oreilles, colliers, ceintures ou parures de tête et autres objets d'ornements décoratifs... Le kauri, lié aux esprits marins, continue de symboliser la prospérité, la bonté de l'âme. Il est surtout une bonne protection contre le mauvais œil, les énergies négatives, servant à conjurer les mauvais sorts. Il apporte un flux d'énergie positive favorable attirant les bonnes vibrations. Il symbolise la renaissance, le renouveau, la transformation et la croissance. Dans la mythologie hindoue, la légende dit que, lors du « Samudra Manthan », le Barattage de l'océan cosmique et la création du monde par le dieu Vishnu, la déesse de la prospérité, de l'abondance et de la lumière Lakshmi, son épouse est apparue accompagnée de cauris. La conque est l’emblème vénéré de Lord Vishnu d’où est sorti le « Ôm », le tout premier son. Le couvercle de cette boite est agrémenté d'un cabochon en son milieu, orné d’inclusions de petite pierre turquoise. Pour les tibétains, la pierre naturelle turquoise, nommée « Pierre du ciel » est offerte en gage d'amour, un protecteur porté en talisman comme une amulette pour ses propriétés protectrices et spirituelles. Elle reconcillie les ennemis, apaise les querelles, établie la paix et conjure la colère et les mauvaises pensées. D'après la légende bouddhiste, le Bouddha aurait vaincu un monstre à l'aide d'une turquoise magique. Le corail rouge foncé, nommé « Moonga » ou « Parval » est très important selon l’astrologie védique indienne, il symbolise la planète Mars. C’est une pierre élévatrice d’énergie, de vitalité, d’ambition, un bouclier protecteur qui aide à surmonter les obstacles, un charme de guérison aux propriétés cicatrisantes qui soigneraient différentes blessures. Les pierres précieuses sont imprégnées d’une valeur symbolique, elles sont liées aux divinités, aux esprits, aux planètes et aux jours de la semaine. De même pour leurs couleurs. Dans le bouddhisme, les couleurs dominantes sont, le bleu ; le blanc ; le jaune ; le vert et le rouge. La couleur bleue représente l’espace, elle transforme la colère en sagesse. La couleur blanche symbolise de l’air qui coupe l’illusion de l’ignorance. Elle contient les pouvoirs divins. La couleur jaune, la Terre, transforme la fierté en sagesse. La couleur verte illustre l’eau qui transforme la jalousie en sagesse d’accomplissement. La couleur rouge est le feu par qui les illusions d’attachement sont transformées en sagesse de discernement. Nos boites, possèdent pour les plus grandes, un total de 50 cauris sur le couvercle et 60 cousus faisant le tour. Pour les moyennes, une rangée d’une trentaine de cauris pour le tour et presque autant pour le couvercle, tandis que les plus petites boites perlées sont ornées de 10 cauris et 8 pour le couvercle. Imaginez ! La chance de pouvoir faire de votre maison un refuge douillet protégé avec une atmosphère bien à vous ! Pour y accéder, suivez le lien direct Décoration et Statues/ Boites coffres coffrets ici

Une collection printemps/été de tuniques et de chemisiers pour femme, peine de dynamisme pour accueillir le printemps dans son dressing ! Le printemps, synonyme de changement, de renouveau, de nouveau départ... De nouvelle saison ! La belle saison est arrivée et avec elle, ses nouvelles tendances. Shankara vous dévoile le contenu de son vestiaire féminin et ses pièces signatures : Les « essentiels de Shankara », tuniques et chemisiers sont toujours en voile de coton car il n'y a rien de tel pour être à l'aise et supporter la chaleur. De nouveaux coloris et imprimés toujours plus raffinés en vue des belles journées ou soirées estivales. Des fleurs, pleines de « Good vibes » dans une palette chromatique sur vitaminée, des imprimés ethniques rafraîchissants, fidèles à l'univers de Shankara, joyeux, coloré et plein de positivité. Shankara assume, sa passion pour les voyages et sa prédilection pour les tissus aux motifs fleuris ! Nos tissus sont notre atout. Ils sont lumineux, attrayants, colorés et faciles à combiner avec d'autres pièces vestimentaires. Et la qualité de fabrication, le soin particulier apporté aux finitions, notre engagement, fait toute la différence !!! Shankara, c'est avant tout l'élégance alliée au confort. « Belle, Belle, Belle ....» Bienvenue dans mon Jardin enchanté. Une production en série limitée ! Pour la découvrir ici Shankara Collection Tuniques chemisiers blouses sans manche pour femme en voile coton imprimé allant du S au XXXL, grande taille également disponible sur le site. Une Collection de robes longues et courtes en cours de confection actuellement, vous sera dévoilée très prochainement !!!

Peinture de Radha et Krishna « (...) La peinture moghole, art de la miniature qui quand elle est agrandie, devient une peinture de chevalet (...) La peinture rajpoute agrandie devient une fresque, une réduction de la peinture murale traditionnelle » Le style de la peinture indienne s’est développé à deux différentes époques, sous deux cours royales différentes. La peinture moghole ou « mughal art », créée sous le règne de l’empire moghol en provenance de Syrie et d’Irak, grands royaumes d’Asie central d’influence islamo-persane, du XVI au XIX dont les enluminures ou miniatures peintes aux couleurs douces en sont le reflet. Appelé aussi « art du livre » car ces œuvres étaient à l’origine sur feuilles mobiles conçues pour être reliées entre elles pour former un album calligraphié et illustré du Coran. La calligraphie servait à perpétuer la parole de Dieu à Mahomet. Dans l’islam les formes géométriques et florales sont une tradition basée sur des principes géométriques conçus pour refléter l’ordre de Dieu dans l’univers. La peinture moghole traite des thèmes profanes, des scènes historiques ou évènements mythiques avec naturalisme tourné autour des dirigeants, des perspectives pour créer de la profondeur ou l’illusion du volume avec les ombres et la lumière, empruntée à la peinture européenne. Les figures sont individualisées, placées sur un fond réaliste dans des poses animées, souvent de trois-quart ou de profil, au pointillé minuscule. Art du portrait royal, mais dont les représentations féminines à part les souverraines sont presque absentes jusqu’au XVII. Le Purdah était coutumier et limitait les activités extérieures des femmes les obligeant à vivre dans leur quartier, le zenana et à se déplacer cachées dans les palanquins recouverts de rideaux. Muntaz Mahal, épouse de Shah Jahan, Peinture moghole Avec la peinture moghole, c’est la propagation de la culture persane par des dirigeants turcs sur le continent indien, en particulier dans les sultanats du Deccan ( ou Dekkan), cinq royaumes mulsulmans, Ahmadnâgar, Behar, Bîdâr, Bîjâpur et Golkonda du centre au Sud de la péninsule indienne. Et si l’art moghol reflète la culture islamique, l’art rajput est hindouiste. Même si le soufi de l’époque était similaire à la Bhakti indienne, la dévotion à dieu. La peinture Rajput, produite elle pour la cour de Princes rajput des états du Rajasthan le « séjour des Princes », liée au Rajputana du Pendjab vers le XVI ou XVII. Connue pour ses détails élaborés, ses couleurs vibrantes de la représentation de la mythologie hindoue, la vie de la cour royale et les collines du Pendjab, du Rajasthan ou de la vallée de l’Himalaya. C'est avant tout un art populaire, l'expression de la société dont elle est issue, féodale, aristocratique, guerrière, constituée de clans. Les oeuvres de chaque principauté sont liées à la personnalité de son souverrain, son histoire locale et sa position géographique. Les Rajputs, (raja putra « fils du roi »), de la caste des guerriers « Khsatriya » se proclament être de la descendance du dieu Râmâ, héros de l’épopée du Râmâyana et leur dynastie indépendante. En provenance d’Asie central, ces nomades d'origine scythe se sont mêlés aux tribus aborigènes et ont intégré la religion hindouiste. Ils ont gouverné pendant 4 siècles sur une bonne partie du nord et de l’ouest de l’Inde (Rajasthan, Uttar Pradesh, Madhya Pradesh, Bihar, Uttarakhand, Himachal Pradesh) et du Gujarat jusqu’à ce que soumis à l’envahisseur musulman ils fassent partie des Etats féodaux moghols. Réputés pour leur bravoure sur les champs de bataille et leur esprit combattif malgré l’empiétement sur leur territoire de l’invasion turcs et afghans. Le Rajasthan, appelé la 'Maison des Rois", partie orientale est un état au climat tempéré, un sol fertile grâce à la rivière Chambal. Palais, forteresses sont entourés de lacs et de jardins magnifiques. La plupart des écoles de peinture rajpoute en Inde reflètent une forte influence moghole, les moghols régnant sur presque tous les Etats princiers du Rajasthan. Mais les traditions picturales pré-mogholes subirent une évolution. Chaque royaume ayant des traditions et des caractéristiques propres a développé son style local toujours avec la préoccupation de capter le sacré. Chaque école a développé un style pictural spécial pour les visages de profil, gardant ses costumes traditionnels. Le vêtement traditionnel Rajput est le dhoti pour les hommes. Une pièce de tissu en coton blanc enroulé autour de la taille, tiré entre les jambes et rentré dans le dos, portée sur une tunique en coton ou une veste courte s’attachant sur le côté droit, l’angarhka. Un turban ou safa, pargari porté noué sur la tête selon sa caste, sa région et religion. Le churidar-pyjama pantalon serré recouvert d’un long manteau rebrodé pour les cérémonies ressemblant au sherwani moghol, une ceinture nouée autour de la taille ainsi que l’épée incurvée traditionnelle nommée Khanda pour compléter la tenue. Pour les femmes, autre que le sari, la tenue de tous les jours est constituée d’un pantalon ample sur une longue jupe (lehenga) porté sur une tunique ou un petit corsage (choli), réalisé dans des étoffes de drap fin et de soie rehaussée de fils d’or et de broderie. Et pour agrémenter la tenue, des bracelets et autres bijoux pour le front, le nez, les oreilles, les chevilles et surtout un foulard, l’odhni ou odhani une étole raide plissée qui recouvre leur tête et la moitié de leur visage. Palais, forteresses et havelis sont décorés de tentures murales en tissu célébrant le culte de Krishna et Radha d'après le Gita-Govinda ou de Sita et Râma, héros légendaires du Râmayana dont l’amour est le thème central ou bien glorifiant Vishnu selon les Puranas. Plus tard ce seront des textes sanscrits de poésie qui serviront de thème pour les compositions scéniques. Avec la série des « Ragamala » les modes musicaux indiens classiques (raga, la phrase mélodique) sont expliqués selon un art iconographique. Une ou plusieurs jeunes femmes sveltes composent la figure centrale personnifiant la Ragini, la mélodie, tenant un instrument. Les peintres reprennent d’après le traité qui lista et classifia des modes musicaux, et le temps organisés en familles, les raga (masculins), présidant 5 ou 6 ragini (épouses), ragaputra (fils) et ragaputri ( belles-filles) selon leur qualité. Chaque raga est associé à une saison et à une heure spécifique de la journée. Ragini Basanti ou Vasanti « La joie du printemps » est certainement la plus connue dont le raga de mari est joué, chanté pour célébrer le printemps nouveau. Et avec la série « Basahmasa » c’est l’amour humain selon les changements de saison sur 12 mois qui sont pris comme thème. Dessins de forteresses en vue frontale, perspectives dites cavalières en 2 dimensions sans point de fuite, appelé « art de l ’à plat », utilisation de pigments extraits de minéraux et végétaux, avec ajout d’or et d’argent sont des caractéristiques distinctives de la peinture Rajpoute. Dans un bon nombre de ces œuvres, les artistes ont utilisé une juxtaposition de couleurs bleue, rouge, jaune, verte et noire pour renforcer l’impact visuel, puis sous l’influence de l’art moghol les teintes mélanges de roses et de mauves devinrent plus subtiles. Un va et vient culturel, selon l’envahisseur du moment et leurs alliances politiques conjugales. La peinture classique indienne débute avec Asoka, l’empereur bouddhiste au 3e.s av JC, selon le mode de pensée et de vie hindoue pour se terminer avec les envahisseurs musulmans au XIV, maitres politiques incontestés du Deccan et de l’Inde du Nord. Babur le Tigre, de la dynastie des Timur, descendant du souverain Gengis khan, envahit le Sultanat de Dehli, en 1525 et se proclama « empereur et maître absolu de l’Inde du Nord », apportant avec lui dans tous domaines des beaux-arts, les artistes les plus talentueux, leurs propres techniques et styles picturaux ou architecturaux : peintres ; calligraphes ; enlumineurs ; relieurs ; orfèvres et les miniatures persanes. Les miniatures persanes que l’on trouve aujourd’hui sont des reproductions de tableaux séparés de leurs reliures. A l’origine, elles faisaient partie de grands folios, volumes illustrés, rarement encadrées. Un volume impérial pouvait contenir plus de 12 à 14 volumes reliés, composés de cent tableaux chacun. Un travail qui pouvait durer 15 ans ! Le « Hamzanamana » un conte populaire du XVI exécuté pour Akbar racontant les histoires du héros Hamza, dont le texte est écrit sur papier bruni, fait-main, doublé de coton, collé ensemble est considéré comme étant la manifestation la plus ancienne du style moghol. Un des plus grands chefs d’œuvre de l’art islamique, réalisé par des artistes hindous supervisé par des maitres persans. Les peintures sont remplies de couleurs vives, de personnages et de détails Le « Padshahnamah », le livre des empereurs » est la Chronique du roi, la plus grande œuvre de la peinture miniature, commissionnée par Shah Jahan, un livre avec 478 pages de textes écrits à la main sur papier moucheté d’or et illustré par 44 peintures qui raconte les dix premières années de son règne et de sa dynastie. Babur, introduisit également l’art des jardins en Inde, inspiré du modèle persan. Avec lui est née, l’Inde moghole et sous son empire, l’art moghol et la peinture moghole. Art raffiné au départ typiquement moghol : format vertical pour un livre ; point de vue élevé ; détails minutieux ; utilisation de la couleur et des ornements dérivés de l’art Perse ; un naturalisme représentant la flore ou le monde animalier. Le papier remplace peu à peu les feuilles de palmiers aplaties et découpées pour être écrites et peintes. Les premiers manuscrits rajputs étaient non reliés mais enroulés dans un tissu. La peinture moghole peu à peu évolue, réunissant des éléments de l’art iranien, hindoustani, jain et plus tard européen avec l’arrivée des Jésuites. Akbar, Jahangir, Shah Jahan, Alangir, ses prédécesseurs, tous, mécènes, hommes de lettres et protecteurs des arts ont ensuite raconté leurs mémoires, récits de rituels de la vie de la cour, affaires politiques ou familiales, scènes du zenana, (les appartements des dames), de batailles, de guerres sous forme de folios, manuscrits impériaux, illustrés réalistes et raffinés. Ces œuvres étaient souvent collectives, fruit de la collaboration des meilleurs artistes, dont l’un s’occupait de la composition et du dessin, un autre se chargeait de l’application de la couleur et le 3 des portraits. Certains d’entre eux connurent une grande renommée. Pour l’empereur Akbar, « ce monde est un miroir du monde divin ». Les artistes peintres devaient étudier les détails, capturer la topologie ou l’exactitude de la situation, Ils devaient glorifier la cour, montrer sa magnificence. L’animal fut pris comme un élément pictural à part entière sous le règne de Jahangir ou Shah Jahan et non comme faisant partie du paysage. On fit les portraits des montures favorites des empereurs, chevaux et éléphants royaux caparaçonnés. Les motifs floraux furent également transmis à l’Inde, ainsi que l’art des portraits. Le portait royal était une innovation de la cour moghole que les artistes indiens rajoutèrent à leur répertoire artistique pour leur composition. Représentation de maharaja à cheval, se déplaçant à dos d’éléphant. Du 13 au 16e, à cette période, appelée art post-classique, un nouveau style d’art s’impose. Un art indien destiné aux riches musulmans. peinture moghole Seul, un état encerclé subsiste encore pour le moment qui succombera aux moghols en 1615. L’état du Mewâr au Nord de l’Inde, dans l’Etat du Rajasthan et avec lui la dernière phase de la peinture classique. Avec la nouvelle arrivée des envahisseurs moghols, débute la 2 période post-classique. Malgré leur allégeance, ils garderont leur indépendance. Plusieurs écoles de peintures miniatures virent le jour dans différentes principautés du Rajasthan et devinrent de grands centres importants de peinture. 5 écoles, dans la partie Est du Rajasthan ainsi qu'à Jodhpur, Bikamer et Jaisalmer dans la partie Ouest. Les thèmes principaux étaient : La végétation locale, les scènes de cour, l’amour dévotionnel de Radha et Krishna ou les épisodes du Ramayana avec les aventures de Sita et Rama avec scène de foret en arrière-plan, composant des textures riches et diversifiées : - L’école Mewâr ; - L’école Bundi ; - L’école Krishangarh ; - L’école Amber ; - L’école Marwar. Pour certaines adoptant l’art moghol en y ajoutant leur touche personnelle hindoue selon leur propre tradition et variantes de styles. Le nez pointu, le menton saillant et les yeux allongés, ovales à demi-ouverts et arcades sourcillières arquées nettement marqués, symétriques le long du nez pointu au centre, étaient des signes de beauté dans la peinture classique indienne. Les visages étaient dessinés de profil ou de trois-quart, emprunté aux peintures murales des grottes d'Ellora et Ajanta de la période Pala. Indra, peinture classique vers 1439 Puis de grands yeux fixes ouverts remplacent les yeux en amande, les lèvres sont rouges. Les femmes portent turbans, robes persanes ou la jupes ghaghras richement ornées, corsages serrés et l'odhani, voile diaphane Peinture pré-moghol, vers 1550 Dans la peinture de style Mewar, les personnages masculins et féminins ont un profil anguleux rigide de longs nez, des visages de forme ovale, les yeux allongés en forme de poisson influencés par le style Apbhramsa, de la peinture post- moghole. Les femmes sont dessinées plus petites. Radha, peinture Mewar, vers 1540 Dans la peinture de style Krishangarh par exemple, un halo doré, une auréole entoure maintenant la tête du personnage royal- divin, symbole de leur rôle de régent des dieux, dérivé des empereurs moghols, inspiré à l’origine par des œuvres européennes d’art religieux du XVIe. Radha et Krishna, peinture Krishangarh Les visages ont un front fuyant, une arcade sourcillère marquée, les yeux éffilés en forme de pétales de lotus retroussés, le bord touchant presque l'oreille, un nez pointu et prononcé, des lèvres minces et un menton bien modelé. Les femmes ont toutes le visage de Bani Thani, baptisée la « Mona Lisa de l’Inde », la célèbre chanteuse, poète, courtisane et maîtresse du Maharaja Sawant Singh, qui symbolisait son adoration pour Radha et dont la beauté particulière du visage a été pris comme modèle. Elles sont caractérisées par des traits exagérés, un long cou, un long visage, un front développé haut et incliné, un nez pointu, un long menton, de grands yeux en amande ornés de khôl jusqu’aux oreilles, les lèvres fines bien taillées, le teint clair et de longs doigts. La mèche de cheveux suspendue près de l’oreille se trouve uniquement dans ce style de peinture. Alors que dans la peinture de style Bundi, les femmes ont un visage rond, de petit nez, un petit menton, des lèvres rouge foncé. Peinture Basohli Ce fut identique pour le Haut Pendjab, où l’art moghol dut s’adapter aux goûts de la région. La peinture Pahari, signifie la peinture des régions montagneuses descendantes de Jammu, jusqu’au Garhwal, en passant par l’Himachal Pradesh. Le style Basohli de la région de Jammu, Kashmir en 1ere période. L'expression des visages passent par de larges yeux en amande. La bouche compacte et menton bas suggèrent la plénitude. Radha, peinture Basohli vers 1730 Puis le style Guler, en 2e période aux dessins plus légers et aérés, un naturalisme plus trop de style moghol. Même si les structures de la peinture et les plans en profondeur sont encore sous l’influence indo-islamique. Le dessin est fin, illustrant un sentiment nouveau et avec lui un nouveau modèle de visage : le nez droit, une arcade sourcilière ornée et le menton légèrement incliné. peinture Guler Le type féminin des peintures de Guler sont particulièrement délicat, les visages au petit nez légèrement retroussé sont bien modelés, les cheveux coiffés minutieusement. Quelques peintures de cette époque étaient garnies d’ailes de scarabée pour leur effet scintillant ressemblant à des pierres précieuses. Avec le style Standard Kangrâ, de la region Himachal Pradesh, la forme et la qualité de dessin sont de plus en plus raffinées. plus proche du naturalisme moghol. Les peintres, inspirés par l’environnement et ses collines arrondies, glorifièrent la beauté féminine dans ses moindres détails, ajoutant les postures sensuelles, comme variante dans la représentation des personnages féminins. Radha et Krishna, peinture Kangra vers 1820 Leurs profils changent. Chaque partie du profil est exagérée pour suggérer un effet d'échange de tendresse. Les nez sont dans le prolongement du front, les yeux longs et étroits et les cheveux en masse noire. Très proche de la peinture « Rajasthani », l’école de peinture nommée « Pahari » est apparue au XVI à la cour royale du Pendjab issue de la peinture la peinture moghole, dérivée de l’art des miniatures. La peinture Pahari est un mélange entre la précision d’un réalisme mogholisé sublime et le symbolise sensuel de la littérature classique médiévale. Peintures qui étaient des copies illustrées des textes sacrés commanditées par le Râjâ ou autres notables. Des illustrations des thèmes vishnouistes, avec en arrière-plan les petites collines, des courts d’eau, de vertes prairies et une variété d’arbres fleuris, de plantes grimpantes, beauté du paysage local de la région de Vrindavan et de Mathura. Situation narrative du « Mahabharata » et du « Ramayana », (les 14 années d’exil dans la forêt, la bataille de Räma et Ravana de Lanka, la « Bhâgavata » résumé de l’enfance de Krishna, l’enfant divin, ou bien son badinage avec les gopis étaient des centres d’intérêt formant la base de la peinture pahari. Plus tardivement la « Gita Govinda » narration poétique, basée sur le thème de Radha-Krishna, les amants idéaux, leur Amour passionné et intense, leur état d’union ou de séparation, leurs jeux d’amour divin dans les bois épais de Vrindavan ou sous les tonnelles sur les rives de la Yamuna connut une immense popularité dans les cours féodales du Rajasthan, les collines du Pendjab. Les mythes reliés à Shiva et Parvati, à Devi la grande déesse furent également des thèmes favoris des peintres Paharis, glorifiant le dieu, montrant ses différents aspects pour aider les dévots dans leur méditation. Des portraits naturalistes au haut niveau de précision, de la couleur pour entourer le contour des personnages, la bordure décorative florale ajoutée à la peinture nommée « hasiyas » somptueusement décorée de motifs floraux et arabesques. Pour le plaisir des yeux ! « (…) Leur génie est unique (…) L’art Rajput crée un monde magique où tous les hommes sont héroïques, toutes les femmes belles et passionnées et timides, où les bêtes sauvages et domestiques sont amis des hommes, où les arbres et les fleurs sont conscients du pas du fiancé ». Peinture style Mandi Himalchal Pradesh Pour découvrir quelques peintures sur soie du Rajasthan, direction la Section Décoration et Statues en cliquant ici